Conheça a trajetória da artista Tomie Ohtake
Nascida no Japão e naturalizada brasileira, onde viveu desde 1936 – quando veio visitar um de seus irmãos, mas não conseguiu voltar devido à Guerra do Pacífico – até o final de sua vida, Tomie Ohtake descobriu na pintura seu refúgio. Expoente da arte abstrata, hoje ela é considerada “dama das artes plásticas brasileiras”. Descubra a trajetória da artista e como ela encontrou seu estilo único e revolucionário.
O COMEÇO DA PINTURA COM GRUPO SEIBI
É a partir do grupo Seibi, formado por artistas em sua maioria de origem nipônica, que Tomie Ohtake começa suas primeiras explorações na pintura. O grupo já existia antes dela chegar ao Brasil, começou em 1935. Era uma reunião informal de pintores que já bebiam do modernismo nas artes, rompendo com o academicismo: não havia uma necessidade de retratar a realidade como ela era, mas sim criar, em cor e forma, em cima do que a realidade apresentava.
O modernismo do grupo, inclusive, os aproximou do grupo Santa Helena, de Volpi e Pennacchi. Mas com o advento da Segunda Guerra Mundial, e a proibição da agremiação de japoneses e alemães, o grupo se dissolveu. Voltaram só em 1947, com a participação de novos artistas como Manabu Mabe e Tomie Ohtake.
Essa fase inicial, marca sua fase figurativa, onde, mesmo sem a fidelidade com o real, Tomie criava imagens que remetem ao mundo ao seu redor. A artista explica uma influência da arte oriental em seu trabalho: “essa influência se verifica na procura da síntese: poucos elementos devem dizer muita coisa”.
Mas é nos anos 60, que Tomie dá o salto que define seu trabalho.
A DESCOBERTA DA ARTE ABSTRATA POR TOMIE OHTAKE
A partir de 1959, Ohtake, que já experimentava com o abstracionismo, começa a realizar pinturas suas “às cegas”: realizadas com os olhos vendados e, ao se privar de ver, levar sua sensibilidade a outros lugares do entendimento da luz.
Como texto crítico de uma exposição que aconteceu no Museu de Arte do Rio (MAR), em 2013, o curador Paulo Herkenhoff descreve:
“Ohtake leu então o filósofo Merleau-Ponty, a cuja fenomenologia a arte brasileira muito deve. As vendas nos olhos durante o processo da pintura tinham o sentido de realizar uma ação pictórica no limite da percepção. O pincel não buscava demarcar território ou produzir qualquer figuração. Tratava-se do puro fenômeno da passagem do tempo no processo zen através do ato de pintar. O paradoxo das pinturas cegas é a poética da produção de linguagem e de conhecimento que se apresenta como experiência do não ver, do não saber e da intuição.”
Seu trabalho com pinturas cegas recebeu o Prêmio de Isenção de Júri no Salão Nacional de Arte Moderna de 1960.
Nessa década também, Ohtake reduz sua gama cromática, tentando deixá-la entre duas e três cores, além de usar de pinceladas rarefeitas e tintas diluídas que constituíam a noção de transparência em suas camadas e criavam texturas na tela, provocando o olhar do espectador criando uma sensação de nebulosidade. Tomie Ohtake também trabalhava com as suas famosas formas coloridas – retângulos que parecem flutuar no espaço. Os efeitos – realizados com as cores e jogos de equilíbrio – são comparados aos das telas de Mark Rothko.
A DESCOBERTA DA GRAVURA NA DÉCADA DE 70
Nos anos 1970, Tomie Ohtake renovou sua obra pictórica ao começar seus trabalhos com gravuras. Ela lançou mão de diversas técnicas como a serigrafia, a litografia e a calcogravura (ou gravura em metal) e, a partir delas, adota em sua poética linhas curvas, formas orgânicas e sugestões de paisagens – ainda que de caráter abstrato. Esses elementos, trazem uma nova configuração a suas obras que, a partir de então, carregam uma alusão ao movimento.
AS ESCULTURAS NA DÉCADA DE 80
Já na década de 80, Ohtake começa alguns de seus trabalhos mais famosos com a escultura, que, muitas vezes, foram artes públicas. Geralmente em grandes dimensões a artista usa de formas orgânicas, como ondas, em cores impactantes para construir suas obras. Estão aí a Estrela do mar (1985), colocada na Lagoa Rodrigo de Freitas, no Rio de Janeiro e a homenagem à imigração japonesa na avenida 23 de Maio, em São Paulo.
LEGADO DE TOMIE OHTAKE
Tomie Ohtake morreu em 2015, aos 101 anos de idade, e deixou um legado gigante. Em 2000, fundou o Instituto Tomie Ohtake que, além de preservar sua memória, ainda gera diálogo com a sociedade a partir de exposições e cursos na instituição.
Além disso, as obras de Tomie Ohtake estão em grandes coleções ao redor do mundo. No Brasil, destaca-se a Pinacoteca do Estado de São Paulo e o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Já no exterior, o Metropolitan Museum of Art (MET), em Nova York, o Tate Modern, em Londres, e o Mori Art Museum, em Tóquio. Mais recentemente, em outubro deste ano, uma obra de Tomie Ohtake foi adquirida pelo Musem of Modern Art (MoMA), de Nova York, um dos mais importantes do mundo. Algumas de suas obras também estão participando da Bienal de Veneza, que está em cartaz até 24 de novembro, com curadoria de Adriano Pedrosa, diretor artístico do Masp, cujo tema “Foreigners Everywhere” traça relações com sua biografia.
Algumas das gravuras de Tomie Ohtake estão em nosso acervo, confira!
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